WHY DO WE SING IN THE SHOWER?

"La-la-la, I'm singing in the rain"

Singing in the shower is a classic. Is there a reason for it?

Yes. And more than one.

First of all, we are alone and feel undisturbed. The second reason is the sound of the water masking our voice and giving us the feeling that no one can hear us. But are those the main reasons? We don't sing in our car.

The main reason are the standing waves' effect that is created inside the shower cabin. The tile walls are very reflective and the dimensions of the space create a standing wave with a wavelength close to the fundamental harmonic of sound of our voice. 

In a simple example, a shower cabinet 1,5 meters wide, 1,5 meters deep and 2,5 meters high will produce a main standing wave of  377 Hz, around F# above middle C.

When singing, we hear our voice back enhanced by a "chorus" that makes it much more powerful and beautiful. We even sing like in the opera! :-)

Nice habit!

PORQUE É QUE NÓS CANTAMOS NO BANHO?

"La-la-la, I'm singing in the rain"

Cantar no chuveiro é um clássico. Haverá alguma razão para isso?

Sim. E mais do que uma.

Primeiro, nós estamos sós e sentimos que não nos podem incomodar . A segunda razão é que o som da água a correr mascara o som da nossa voz dando-nos a sensação que ninguém nos vai ouvir. Mas serão estas as razões principais? Nós não cantamos no carro.

A principal razão são as ondas estacionárias que são criadas dentro da cabine do duche. 

As paredes de azulejo são muito reflectoras e as dimensões do espaço criam uma onda estacionária primária com a mesma frequência do harmónico fundamental da nossa voz. 

Num exemplo simples, uma cabine de duche com 1 metro e meio de largura, 1 metro e meio de profundidade e 2 metros e meio de altura irá produzir uma onda estacionária principal de 377 Hz, perto de Fá#  acima do dó central.

Enquanto cantamos, ouvimos a nossa voz de volta, acompanhada de um "coro" que a torna muito mais poderosa e bonita. Até ensaiamos umas notas de ópera! :-)

Bom hábito!

SOUND AND SPACE

How far should we go?

Borneo's swamp

Marc Anderson won the "Most Beautiful Sound in the World" prize, with a Borneo swamp recording.

It was recorded on spot and it's beautiful!

Other soundscapes are less appealing, like the Mumbai city's center soundscape. They are both real but they tell a different story. We would like to run from the Mumbai noise, perhaps, and jump into the other.

In the beginning of the XX century, the Symphony Hall in Boston was built. It is famous for its wonderful sound. Its reverb time is around 1.9 seconds, embellishing all the music played there, for the absolute delight of the listeners. The music seems to come from everywhere although we never lose the focus on the orquestra.

Symphony Hall in Boston

"The ideal concert hall is that into which you make a not very pleasant sound and the audience receives something that is quite beautiful", said conductor Adrian Boult.

The Philharmonic Hall at the Lincoln Center, NYC, was considered the opposite: the worst place to listen to music. It was initially conceived like the Boston Hall but there was a campaign to increase its capacity and this decision doomed the acoustics.1

Modern times call for modern methods and now, everyone can fake the acoustics of any space.

With the right constellation of speakers and some computer mathematics, special sound treatment surfaces and skill, anyone can change the natural sound of any space.

Cirque du Soleil using Meyer's Constellation in Tokyo

So, we could have a choir in a small room sounding like as in Westminster Abbey.

We, thus, loose, the ancestral relation between sound and space.

Is it right? How far could we go?

It's like having a plastic garden inside a Hospital. Do you want a real one? Ok, then you'll have to deal with the bugs, ants, rats and all sorts of crawling creatures that live in it. In a Hospital? I really don't think so.

Hospital Inner garden

So, a lot of things can be done to improve the soundscape of any space. It will only depend on your priority.

Do the patients of a particular Hospital feel better with the sight of a garden ( even if it's plastic) ? Would they feel better having a countryside soundscape? Yes, then, why not?

Emily Thompson dedicated a lot of her study to this dilema. According to her, " A soundscape is simultaneously a physical environment and a way of perceiving that environment; it is both a world and a culture constructed to make sense of that world".

We, citizens of the XXI century, deserve to have a better soundscape, to work on it and to change it for a more healthy one.

But we have to change it with great care, in order to create a space in where it's worth living.

1 George Prochnik "In pursuit of silence"

O SOM E O ESPAÇO

Até onde podemos ir?

Pântano em bornéu

Marc Anderson ganhou o prémio "Most Beautiful Sound in the World", com uma gravação autêntica de um pântano em Bornéu.

Foi gravada no local e é maravilhosa!

Outras soundscapes são menos apelativas, como a soundscape do centro de Bombaim. São ambas reais, mas esta traz-nos uma história diferente. Da qual, muitos de nós gostariam de fugir.

No começo do século XX, foi construída a Symphony Hall em Boston. É famosa pelo seu som maravilhoso. Com o seu tempo de reverberação de 1.9 segundos, embeleza toda a música aí tocada, fazendo as delícias dos seus espectadores. A música parece vir de todos os lados sem nunca se perder o foco na orquestra.

Symphony Hall em Boston

"A sala ideal de concertos é aquela em que nós fazemos um som não muito agradável e a assistência recebe algo bastante belo", disse, um dia, o maestro Adrian Boult.

A Philharmonic Hall no Lincoln Center, NY foi considerada o oposto: o pior lugar para ouvir música. Foi inicialmente concebido como a Boston Hall, mas houve uma campanha para aumentar a sua capacidade e esta decisão condenou a sua acústica.

Entretanto, os tempos modernos pedem soluções modernas e agora, qualquer um pode transformar a acústica natural de qualquer espaço.

Com a constelação certa de altifalantes e alguns algoritmos matemáticos, superfícies especiais de tratamento acústico e conhecimentos, qualquer um pode alterar o som de  qualquer espaço.

Cirque du Soleil usando Meyer Constellation em Tóquio

Assim, podemos ter um coro numa pequena sala a soar como se fosse em Westminster Abbey.

Perdemos, assim a relação ancestral entre som e espaço.

Isto está certo? Até onde podemos ir?

É como ter um jardim de plástico num Hospital. Querem um jardim verdadeiro? Ok, então vão ter de lidar com insectos, ratos e todas  as criaturas rastejantes que aí habitam. Num Hospital? Penso que não. 

Jardim interior num Hospital

Por isso, uma série de coisas podem ser feitas para melhorar a soundscape de um espaço. Dependerá muito das nossas prioridades.

Será que os doentes de um Hospital se sentem melhor perto de um jardim ( mesmo que seja de plástico)? Sentir-se-iam melhor ouvindo sons naturais do campo? Melhoraria isso a sua qualidade de vida? Se sim, porque não?

Emily Thompson dedicou um grande parte dos seus estudo a este dilema. Segundo ela, "Uma soundscape é simultaneamente um ambiente físico e uma forma de nos apercebermos desse mesmo ambiente, é simultaneamente um Mundo e uma cultura construída para dar sentido a esse Mundo".

Nós, cidadãos do século XXI, merecemos uma melhor soundscape, é nosso dever trabalhar nesse sentido e mudá-lo para outro mais saudável.

Mas teremos de o fazer com grande cuidado, de forma a respeitar um espaço onde valha a pena viver.

1 George Prochnik "In pursuit of silence"

FIFA WORLD CUP 2014

The origins of the roar of the crowd

In almost all the major competitions, athletes mention the massive effect of the roar of the crowd. Some are pushed to victory by that wall of sound, while others are humbled and, often, intimidated by it.

"A stadium full of people gives voice to more than just sporting passion", says David Hendy1.

Around 2000 years ago, the Romans started their Roman Games, and the Colosseum was built by order of Emperor Titus in 80 AD. It was the most spectacular, and advanced venue. 50.000 people will fit in there, from the humble people to the higher ranks of Roman hierarchy, including the Emperor himself.

Rome Colosseum

It was surely, a major influence to todays's sporting arenas

London Olympic Stadium

Titus wanted to wipe out the previous Emperor Nero's infamous tradition of organizing private shows in his Golden House, delivering the games to the people, in an entertainment  palace of their own. 

The London Olympic games opening ceremony had a total cost of around 65 million pounds.

The Colosseum opening ceremony is said to have cost 9000 wild animal lives, slaughtered in place.

The roar of the crowd was amazing and its power could change the faith of those inside the arena. 

The same rules still apply today. The sound of the crowd is a great part of the show, a way to a collective expression, that cannot be tamed. The crowd is never obedient, it can be used to influence people but also to resist.

A goal, often leads to a roar reaching more than 110dBA, pushing he adrenalin to extreme levels.

The sound, here again, is the main attraction.

1Ref: David Hendy "Noise , a HumanHistory of Sound and Listening" pages 82-91

MUNDIAL DE FUTEBOL DE 2014

As origens do ruído do público

Na maior parte das grandes competições, os atletas falam do efeito esmagador do ruído do público. Alguns sentem-se empurrados para a vitória por essa parede sonora, enquanto outros se sentem inferiorizados e, algumas vezes, intimidados por ela.

"Um estádio cheio de gente dá voz a mais do que à simples paixão desportiva.", diz David Hendy"1.

Há cerca de  2000anos, os Romanos deram início aos chamados Jogos Romanos e o Coliseu de Roma foi inaugurado pelo imperador Titus em 80 DC. Era, sem dúvida, o mais espectacular e avançado local de espectáculo. Cabiam aí 50.000 espectadores, desde o povo humilde até  aos mais altos estratos da hierarquia romana, incluindo o próprio Imperador.

Coliseu de Roma

 Foi, seguramente, a maior influência para os nossos actuais estádios.

Estádio Olímpico de Londres

Titus queria assim fazer esquecer o hábito do seu predecessor, Nero, que organizava espectáculos privados na sua Casa Dourada, entregando os Jogos aos populares, num palácio de entertenimento que lhes pertencia. 

É sabido que a cerimónia de abertura dos jogos Olímpicos de Londres de 2012 teve um custo total de  65 milhões de libras.

 A inauguração do Coliseu custou a vida a  9000 animais selvagens, chacinados na arena.

O rugido do público era incrível e o seu poder era tal que conseguia mudar o destino dos que estavam na arena. 

As mesmas regras aplicam-se ainda hoje. O son do público é uma grande parte do espectáculo, uma forma de expressão colectiva, que não pode ser domesticada. A multidão não é obediente e a sua energia pode ser usada para influenciar, mas também para resistir.

Um golo, leva, frequentemente, a uma explosão que ultrapassa os 110dBA, colocando a adrenalina a níveis extremos.

O som é, aqui, mais uma vez, a principal atração.

1Ref: David Hendy "Noise , a Human History of Sound and Listening" pags 82-91

GAINING AUTONOMY, OR LOOSING CONTACT WITH REALITY?

The times of mobile music

"Are these users people or not, are they loosing contact with reality, are they becoming psychotic or schizophrenic?"

You may think that these questions, asked by the"Nouvel Observateur" refer to the present times. If you do so, you're wrong.

This text was written in 1981. This was one year after Sony launched the Walkman, which was accused of contributing to isolate people from each other with personal mobile music.

Sony was a visionary, many years before Apple or any other.

But the Walkman users were isolating themselves from society like in David Riesman's, "Lonely Crowd" book. 

Others, like Umberto Eco, stood upon the "cultural moralists", who cannot understand change from their established framework.

Music autonomy was born. Although the Walkman was a regression from the portable audio-cassette recorder (it had no recording capability and had no speakers) it was a huge step forward.

"The minimum, mobile and intelligent unit for music listening", cheered Robert Fripp.

Again, this was in 1981, 20 years before the first iPod.

Ref: Sushei Hosokawa, "The Wlakman Effect" , "The Sound Studies Reader" pages 104 to 115

GANHANDO AUTONOMIA, OU PERDENDO O CONTACTO COM A REALIDADE?

Os tempos da música móvel

"Serão estes utilizadores pessoas, estarão eles a perder o contacto com a realidade,  a ficar psicóticos ou esquizofrénicos?"

Poderão pensar que estas perguntas, formuladas pelo "Nouvel Observateur" se referem aos nossos tempos. Se pensam isso, enganam-se.

Este texto foi escrito em 1981. Um ano depois de a Sony ter lançado o Walkman, que foi massivamente acusado de contribuir para o isolamento das pessoas umas das outras disponibilizando aquilo a que se chamou "personal music".

Sony foi uma visionária, muitos anos antes da Apple ou qualquer outra.

Mas os utilizadores do Walkman estavam, de facto, a isolar-se da sociedade como no livro de David Riesman, "Lonely Crowd. 

Outros, como Umberto Eco, levantaram-se contra os  "moralistas culturais", que não conseguem entender a mudança da sua estrutura cultural.

Tinha nascido a autonomia musical. Embora o Walkman fosse considerado um retrocesso em relação ao gravador portátil de cassettes (não tinha capacidade de gravação nem altifalante) foi um grande salto em frente.

"A mínima, móvel e inteligente unidade para ouvir música", elogiou Robert Fripp.

Novamente, estávamos em 1981, 20 anos antes do primeiro iPod.

Ref: Sushei Hosokawa, "The Wlakman Effect" , "The Sound Studies Reader" pgs 104 a 115

THE A 440 AND THE SHARPS AND BEMOLS

The musicians revenge

The modern tuning-fork

In the modern world, we associate the middle note A, which is the A note immediately above middle C,  to the frequency value of 440Hz. 
When an orchestra is tuning, usually it's the oboe that plays the A in tune with the pitch, followed by the rest of the instruments. When there's a piano on stage, the piano will play the first note.  But it was not always that simple.

The Middle A

In the times of Mozart, different frequencies were used, and up to now, different countries had their own Middle A frequency. The perfect pitch in the United Kingdom and the US is, in fact, 440 Hz for the Middle A. But in continental Europe, it would be between 442Hz and 443Hz.

That was not easy at all, when a musician from the US had to perform in Germany, for example. It happened to me, in Bulgaria, 1977, when we only noticed while performing, that all our instruments, tuned in 440Hz were completely out of tune with te piano that was on stage, which was tuned at 443Hz!

In the Baroque era, the tuning was chosen around 415Hz, while some special church music used 466Hz as the A reference pitch.

This leads to some pieces sounding quite different from others. So, some musicians prefer to play in the right pitch for the era the music was composed.

Led Zeppelin, the famous rock band of the 70 ths, tuned ,very often, their instruments far from the conventional A 440 so that their compositions would sound different and more similar to the children songs that inspired them.

So, independently of the pitch one chooses, there are 12 tones in the scale which only have 7 names: A, B, C, D, E, F, G or Do, Re, Mi, Fa, Sol, La , Si.

The frequency of each tone is 6% higher from the tone before.

As it's always a game of frequencies, how would we call the others?

According to Daniel J. Levitin in his wonderful book "This is your Brain in Music", there is a funny and quite interesting explanation of this. I quote:

"After centuries of being forced to eat in the servants area, and enter trough the back of the castles, this could only be an invention of the musicians to make the non musicians feel incompetent. The six remaining notes have strange names as F Sharp or B Flat. There's no reason for such a complicated system, but we have to deal with it."

François Puget- Musicians playing. XVII century

Sharp and bemol also mean that a musician, a singer for example, is performing over or under the perfect pitch.

But things will get even more complicated...

O LÁ 440, OS SUSTENIDOS E OS BEMÓIS

A vingança dos músicos

O diapasão moderno

No Mundo moderno, associamos o Lá central, que é o Lá imediatamente a seguir ao Dó central,  à frequência de 440 Hz. 
Um diapasão afinado nessa frequência dá o tom e, normalmente, é o oboé que repete a nota para afinar toda a orquestra. Quando existe um piano, é este que dá a afinação. Mas não foi sempre assim tão simples.

O Lá Central

No tempo de Mozart, usavam-se frequências diferentes, países diferentes tinham o seu Lá Central. A afinação de referência no Reino Unido e nos Estados Unidos é, de facto, 440Hz para o Lá Central. Mas, nas Europa Continental era entra 442Hz e 443Hz.

Imaginem os problemas que isso criava a um músico dos Estados Unidos que fosse tocar à Alemanha. Aconteceu-me a mim, na Bulgária em 1977, onde, só no palco, reparei que os nossos instrumentos, afinados pelo Lá 440 estavam totalmente desafinados com o piano que estava no palco, a 443Hz!

Na era Barroca, a afinação escolhida rondava os  415Hz, enquanto alguma música religiosa usava os 466Hz como afinação.

Isto leva a que algumas peças soem diferentes de outras. E assim, alguns músicos preferem tocar na afinação correspondente à época em que a música foi composta.

Os Led Zeppelin, a famosa banda de rock dos anos 70, afinava, muitas vezes, os seus instrumento noutro tom que não o convencional A 440,  para que as suas composições soassem de forma diferente e mais próxima das antigas canções infantis que os inspiraram.

Posto isto, independentemente da afinação que cada um escolhe, existem 12 tons na escala que só têm 7 nomes: A, B, C, D, E, F, G ou Dó, Ré, Mi, Fá, Sol, Lá , Si.

A frequência de cada tom é 6% mais alta da do tom anterior.

Se é tudo um jogo de frequências, como chamamos às outras?

De acordo com Daniel J. Levitin no seu fantástico livro "This is your Brain in Music", existe uma explicação interessante e engraçada para este facto. Passo a citar:

"Depois de séculos a serem forçados a comer na área dos criados e a entrar pela porta das traseiras dos castelos, esta só podia ser uma invenção dos músicos para fazer sentir os não músicos incompetentes. As seis notas que faltavam na escala têm nome esquisitos como Fá Sustenido ou Si Bemol. Não existe razão para um sistema tão complicado, mas temos de nos sujeitar a ele."

François Puget- Músicos tocando. Sec. XVII

Sustenido e Bemol também se usam quando um músico ou cantor está a actuar acima ou abaixo da afinação perfeita .

Mas as coisas ainda se vão complicar mais...