THE PENTATONIC SCALE

It lives in our brain

The pentatonic scale only uses 5 notes of the usual 7 note scale. The 4th and 7th grades are omitted.

It corresponds to the black keys of a piano keyboard ( Db,Eb, Gb, Ab and Bb) or, transposing, to C, D, E, G and A, for example.

The most striking aspect of this scale is that it exists in almost every place in the world, from Asia, where it's the basis of music composition in China, Mongolia, Laos, Philipines, Indonesia, Vietnam, Malasia or Japan (here, with a different pentatonic scale), to northern Africa, everywhere in Europe, where it's found on Celtic or Greek traditional music, for example. Also in Hungary, and America in the Afro-American gospel and spiritual songs, in South America in the Andes mountains. 
Well, you name it and you'll find  the scale there.

Carl Orff, the famous german composer of Carmina Burana, was a great enthusiast of this scale. 

Carl Orff

He built instruments for children, known as the Orff instruments and, although they had all the bars of the C major scale, those were easy to remove so that students could learn in a simpler way.

A Glockenspiel

"Experience first, then intelectualize" said Orff.

A Xilophone with the 4th and 7th grade bars removed

The most incredible feature of the pentatonic scale is the way it seems to be imprinted in our brains.

The natural human capacity to understand and follow the pentatonic scale is demonstrated in this spectacular video presented by Bobby McFerrin at the World Science Festival.

A ESCALA PENTATÓNICA

Vive no nosso cérebro

A escala pentatónica usa apenas 5 notas da escala habitual de 7 notas. São omitidos o 4º e o 7º grau.

Basicamente, corresponde às teclas pretas do teclado de um piano ( Ré b, Mi b, Sol b, Lá b, Si b ) ou, transpondo, ao Dó, Ré, Mi, Sol e Lá, por exemplo.

Uma das características mais impressionantes desta escala é que pode ser encontrada em quase todo o Mundo, desde a Ásia, onde forma a base da música tradicional Chinesa, Mongol, do Laos, Filipinas, Vietnam, Malásia, Indonésia e Japonesa ( com uma escala pentatónica diferente), até ao Norte de África, por todo o lado na Europa, onde se encontra na música Celta e Grega, por exemplo. Também na música tradicional Húngara. Na América do Norte, nos Espirituais Negros e na América do Sul em toda a música Andina. 
Bem, ounde quer que procurem , irão encontrar uma escala pentatónica.

Carl Orff, o famoso compositor alemão da Carmina Burana, era  um grande entusiasta desta escala. 

Carl Orff

Ele criou vários instrumentos para crianças, conhecidos como os instrumentos de Orff e, embora tivessem todas as barras da escala de Dó maior, algumas peças podiam ser retiradas para criar as escalas mais simples.

Um Glockenspiel

"Experiementem primeiro, intelectualizem depois" dizia Carl Orff.

Um xilofone sem o 4º e o 7º graus

Mas o aspecto mais incrível desta escala é a forma como está impressa na nossa mente.

A capacidade humana inata para compreender e seguir uma escala pentatónica pode ser demonstrada neste magnífico vídeo de Bobby McFerrin no World Science Festival.

GAINING AUTONOMY, OR LOOSING CONTACT WITH REALITY?

The times of mobile music

"Are these users people or not, are they loosing contact with reality, are they becoming psychotic or schizophrenic?"

You may think that these questions, asked by the"Nouvel Observateur" refer to the present times. If you do so, you're wrong.

This text was written in 1981. This was one year after Sony launched the Walkman, which was accused of contributing to isolate people from each other with personal mobile music.

Sony was a visionary, many years before Apple or any other.

But the Walkman users were isolating themselves from society like in David Riesman's, "Lonely Crowd" book. 

Others, like Umberto Eco, stood upon the "cultural moralists", who cannot understand change from their established framework.

Music autonomy was born. Although the Walkman was a regression from the portable audio-cassette recorder (it had no recording capability and had no speakers) it was a huge step forward.

"The minimum, mobile and intelligent unit for music listening", cheered Robert Fripp.

Again, this was in 1981, 20 years before the first iPod.

Ref: Sushei Hosokawa, "The Wlakman Effect" , "The Sound Studies Reader" pages 104 to 115

GANHANDO AUTONOMIA, OU PERDENDO O CONTACTO COM A REALIDADE?

Os tempos da música móvel

"Serão estes utilizadores pessoas, estarão eles a perder o contacto com a realidade,  a ficar psicóticos ou esquizofrénicos?"

Poderão pensar que estas perguntas, formuladas pelo "Nouvel Observateur" se referem aos nossos tempos. Se pensam isso, enganam-se.

Este texto foi escrito em 1981. Um ano depois de a Sony ter lançado o Walkman, que foi massivamente acusado de contribuir para o isolamento das pessoas umas das outras disponibilizando aquilo a que se chamou "personal music".

Sony foi uma visionária, muitos anos antes da Apple ou qualquer outra.

Mas os utilizadores do Walkman estavam, de facto, a isolar-se da sociedade como no livro de David Riesman, "Lonely Crowd. 

Outros, como Umberto Eco, levantaram-se contra os  "moralistas culturais", que não conseguem entender a mudança da sua estrutura cultural.

Tinha nascido a autonomia musical. Embora o Walkman fosse considerado um retrocesso em relação ao gravador portátil de cassettes (não tinha capacidade de gravação nem altifalante) foi um grande salto em frente.

"A mínima, móvel e inteligente unidade para ouvir música", elogiou Robert Fripp.

Novamente, estávamos em 1981, 20 anos antes do primeiro iPod.

Ref: Sushei Hosokawa, "The Wlakman Effect" , "The Sound Studies Reader" pgs 104 a 115

THE A 440 AND THE SHARPS AND BEMOLS

The musicians revenge

The modern tuning-fork

In the modern world, we associate the middle note A, which is the A note immediately above middle C,  to the frequency value of 440Hz. 
When an orchestra is tuning, usually it's the oboe that plays the A in tune with the pitch, followed by the rest of the instruments. When there's a piano on stage, the piano will play the first note.  But it was not always that simple.

The Middle A

In the times of Mozart, different frequencies were used, and up to now, different countries had their own Middle A frequency. The perfect pitch in the United Kingdom and the US is, in fact, 440 Hz for the Middle A. But in continental Europe, it would be between 442Hz and 443Hz.

That was not easy at all, when a musician from the US had to perform in Germany, for example. It happened to me, in Bulgaria, 1977, when we only noticed while performing, that all our instruments, tuned in 440Hz were completely out of tune with te piano that was on stage, which was tuned at 443Hz!

In the Baroque era, the tuning was chosen around 415Hz, while some special church music used 466Hz as the A reference pitch.

This leads to some pieces sounding quite different from others. So, some musicians prefer to play in the right pitch for the era the music was composed.

Led Zeppelin, the famous rock band of the 70 ths, tuned ,very often, their instruments far from the conventional A 440 so that their compositions would sound different and more similar to the children songs that inspired them.

So, independently of the pitch one chooses, there are 12 tones in the scale which only have 7 names: A, B, C, D, E, F, G or Do, Re, Mi, Fa, Sol, La , Si.

The frequency of each tone is 6% higher from the tone before.

As it's always a game of frequencies, how would we call the others?

According to Daniel J. Levitin in his wonderful book "This is your Brain in Music", there is a funny and quite interesting explanation of this. I quote:

"After centuries of being forced to eat in the servants area, and enter trough the back of the castles, this could only be an invention of the musicians to make the non musicians feel incompetent. The six remaining notes have strange names as F Sharp or B Flat. There's no reason for such a complicated system, but we have to deal with it."

François Puget- Musicians playing. XVII century

Sharp and bemol also mean that a musician, a singer for example, is performing over or under the perfect pitch.

But things will get even more complicated...

O LÁ 440, OS SUSTENIDOS E OS BEMÓIS

A vingança dos músicos

O diapasão moderno

No Mundo moderno, associamos o Lá central, que é o Lá imediatamente a seguir ao Dó central,  à frequência de 440 Hz. 
Um diapasão afinado nessa frequência dá o tom e, normalmente, é o oboé que repete a nota para afinar toda a orquestra. Quando existe um piano, é este que dá a afinação. Mas não foi sempre assim tão simples.

O Lá Central

No tempo de Mozart, usavam-se frequências diferentes, países diferentes tinham o seu Lá Central. A afinação de referência no Reino Unido e nos Estados Unidos é, de facto, 440Hz para o Lá Central. Mas, nas Europa Continental era entra 442Hz e 443Hz.

Imaginem os problemas que isso criava a um músico dos Estados Unidos que fosse tocar à Alemanha. Aconteceu-me a mim, na Bulgária em 1977, onde, só no palco, reparei que os nossos instrumentos, afinados pelo Lá 440 estavam totalmente desafinados com o piano que estava no palco, a 443Hz!

Na era Barroca, a afinação escolhida rondava os  415Hz, enquanto alguma música religiosa usava os 466Hz como afinação.

Isto leva a que algumas peças soem diferentes de outras. E assim, alguns músicos preferem tocar na afinação correspondente à época em que a música foi composta.

Os Led Zeppelin, a famosa banda de rock dos anos 70, afinava, muitas vezes, os seus instrumento noutro tom que não o convencional A 440,  para que as suas composições soassem de forma diferente e mais próxima das antigas canções infantis que os inspiraram.

Posto isto, independentemente da afinação que cada um escolhe, existem 12 tons na escala que só têm 7 nomes: A, B, C, D, E, F, G ou Dó, Ré, Mi, Fá, Sol, Lá , Si.

A frequência de cada tom é 6% mais alta da do tom anterior.

Se é tudo um jogo de frequências, como chamamos às outras?

De acordo com Daniel J. Levitin no seu fantástico livro "This is your Brain in Music", existe uma explicação interessante e engraçada para este facto. Passo a citar:

"Depois de séculos a serem forçados a comer na área dos criados e a entrar pela porta das traseiras dos castelos, esta só podia ser uma invenção dos músicos para fazer sentir os não músicos incompetentes. As seis notas que faltavam na escala têm nome esquisitos como Fá Sustenido ou Si Bemol. Não existe razão para um sistema tão complicado, mas temos de nos sujeitar a ele."

François Puget- Músicos tocando. Sec. XVII

Sustenido e Bemol também se usam quando um músico ou cantor está a actuar acima ou abaixo da afinação perfeita .

Mas as coisas ainda se vão complicar mais...

DO, RE, MI, FA, SOL, LA, SI, DO

Where do the note names come from?

Guido de Arezzo

Guido de Arezzo introduced the Hexachords in the XI century. The Hexachords were group of six notes with which one could form a melody.

There were 3 main hexachords:  the hard one, starting in Sol, the natural hexachord, starting in Do and the soft one, starting in Fa.

He reason for this difference is that the scale was not yet tempered ( six centuries were still to come ), and melodies in different tones, really sounded different.

The names of the notes were extracted from a latin hymn to Saint Joan Baptist, the first syllable of verses, that had an ascending form:

Ut queant laxis

Resonare fibris,

Mira gestorum

Famuli tuorum,

Solve polluti

Labii reatum,

Sancte Iohannes.

Our latim scale,  the Ti represents the Si

The anglo-saxonic culture decided to name the notes after letters, staring in A, which is our latin La, and proceeding with the scale until G. After the A, the English and Dutch cultures name B to the Si or Ti, and the German and Nordic call it H, keeping the B notation or the semitone between A and H.

The correspondence between the two notations

Ut changed to Do by the hand of Giovani Maria Boncini, an italian composer that established a Treaty of Music in 1673.

Giovani Maria Boncini

But, then, to make our lives more difficult came the sharps and the bemols. Some believe that there's quite a funny explanation to this.

 Next time. :-)

DO, RE, MI, FA, SOL, LA, SI, DO

De onde vêm os nomes das notas?

Guido de Arezzo

Guido de Arezzo introduziu os Hexacordes no século XI. Os Hexacordes eram grupos de seis notas com os quais se podia construir uma melodia.

Havia 3 hexacordes principais:  o duro, a começar em Sol, o  hexacorde natural, começando em Do and e o suave, com início em Fá.

A razão para esta diferença residia no facto de a escala ainda não estar temperada ( ainda faltavam seis séculos para isso ), e as melodias em diferentes tonalidades, realmente soarem diferentes.

Os nomes das notas foram extraído de um hino, em latim, a São João Baptista, a primeira sílaba dos versos que tinham uma forma ascendente:

Ut queant laxis

Resonare fibris,

Mira gestorum

Famuli tuorum,

Solve polluti

Labii reatum,

Sancte Iohannes.

A nossa escala, os anglo-saxónicos chamam Ti ao Si

A cultura anglo-saxónica foi por outro caminho, decidindo das nomes de letras à notas , começando com A, que é o nosso Lá latino, e, por aí fora pela escala até G, que é o nosso Sol. O nome que os Ingleses e Holandeses dão ao Si ou Ti, é B, enquanto que os Alemães de Nórdicos chamam H, deixando a notação de B para o semitom entre o Lá e o Si.

A correspondência entre as duas notações

O Ut mudou para Dó pela mão de Giovani Mari Boncini, um compositor italiano que estabeleceu um Tratado de Música em 1673.

Giovani Maria Boncini

Mas, então, para tornar a nossa vida mais difícil, vieram os sustenidos e os bemois. Há quem acredite numa explicação bastante divertida para isto.

Fica para a próxima. :-)

MUSIC IS ONE OF THE MOST COMPLEX ACTIVITIES OF OUR BRAIN

Music activity is one of the most complex tasks, from the brain’s point of view.

According to Daniel J. Levitin, “musical activity involves almost every region of our brain and practically all neurologic subsystems.”¹

Musical audition starts in the subcortical structures, coclear nucleus, brain stem and cerebellum. Then, moves up to the auditory cortexes at both sides of the brain.

When we are following a familiar piece of music, we use additional regions of the brain, like the hippocampus, the memory center, and the inferior part of the frontal lobe.

To tap our foot in the music rhythm, we need the temporal circuits of the cerebellum.

If we are playing the music, we use the frontal lobes again, namely the motor cortex, in the aft part of the frontal lobe, and the sensorial cortex, which gives us a tactile response to the keys or strings we are touching.

Sometimes, we are also reading the music score, so we need the visual cortex, at the back of our heads.

In order to follow a song with lyrics, we use some parts of the temporal and frontal lobe, like the Brocca and Wernicke areas, so that we understand the spoken language.

In a deeper level, emotions are produced in the primitive reptilian regions, like the cerebellum vermis and the amygdala.

Our brain coordinates all these informations so that we perceive timbre, rhythm, pitch, intensity, words and feel emotions, so that we can enjoy in full extent the amazing power of Music.

Ref:

¹Daniel J. Levitin “This is your brain on Music” pages 94/95

A MÚSICA É UMA DAS ACTIVIDADES MAIS COMPLEXAS DO NOSSO CÉREBRO

A actividade musical é uma das tarefas mais complexas, do ponto de vista do nosso cérebro.

De acordo com Daniel J. Levitin, “a actividade musical envolve quase todas as regiões do nosso cérebro e praticamente todos os subsistemas neurológicos.”¹

A audição musical começa nas estruturas sub-corticais, no núcleo coclear, tronco cerebral e cerebelo. Depois, move-se para cima para os córtexes auditivos de ambos os lados do cérebro.

Quando seguimos uma peça de música que nos é familiar, usamos outras regiões do cérebro como o hipocampo, o centro de memória, e a parte inferior do lóbulo frontal.

Para batermos o pé ao ritmo da música, precisamos dos circuitos temporais no cerebelo.

Se estivermos a tocar música, usamos os lóbulos frontais novamente, nomeadamente o córtex motor, na parte traseira do lóbulo frontal, e o córtex sensorial, que nos dá a resposta táctil às teclas ou cordas que estamos a tocar.

Às vezes, também estamos a ler a partitura e, para isso, usamos o córtex visual, na parte de trás das nossas cabeças.

Para acompanharmos a letra de uma canção, contamos com algumas áreas do lóbulo temporal e frontal, como a Área de Brocca e a Área de Wernicke, que nos traduzem a linguagem falada.

Num nível mais profundo, as nossas emoções são produzidas em regiões reptilianas primitivas, como o cerebelo vermis e a amígdala.

Por fim nosso cérebro coordena a actividade de todas estas regiões de forma a que consigamos aperceber-nos do timbre,  ritmo, altura, intensidade, palavras, nos emocionemos e possamos apreciar na sua plenitude o  maravilhoso poder da música.

Ref:

¹Daniel J. Levitin “This is your brain on Music” pages 94/95

MUSIC

Organized Sound

There are several definitions for Music.

A basic idea could be that musical sounds are nice, while noise means the unpleasant ones.

What about birdsong? Isn’t it nice? However, is it music?

Are the violins by Bernard Hermann, on the shower scene  of "Psyco", pleasant? But...are they noise?

And how would we classify some pieces composed with hammers, trains and other sound sources like the work of Francis Dhomont or Pierre Schaeffer? Are they noise?

Some fanatics say that Mozart is music while Metallica is just noise. Other, think the opposite. Jazz was categorized, for a long time, as noise by the majority of white people in the US. Actually, the word Jazz means mess, confusion.

It seems we are not getting anywhere.

One thing is certain: there hasn’t been any human culture, ever, that didn’t have music. Most artifacts from the Neolithic age are hunting, cooking and music tools. All over the World since man appeared on Earth, there’s music.

James Ferguson, an american anthropologist, visited a tribe in Lesoto, a small country inside South Africa, where he was invited to sing. He said: “I can’t sing”. 
That was a big surprise for the villagers!
 For them, this was a disability, the same as “I can’t talk” or “I can’t walk”.1

Edgar Varèse, the famous French composer, said: “Music is organized sound”.

I believe that, by organized, Varèse meant organized by human beings with a purpose.

In this broad concept, all types of music fit, regardless our personal taste or culture.

Music reveals the best side of mankind.

I wish you a brilliant 2014. See you next year.

¹ in “This is Your Brain on Music” Daniel J.Levitin / Page 14

MÚSICA

O som organizado

Há muitas definições de Música.

A mais básica costuma ser  que os sons musicais são bonitos e agradáveis, enquanto os sons desagradáveis são ruído.

Então e o canto de um pássaro? Não é bonito e agradável? No entanto, será Música?

E que dizer dos violinos de Bernard Hermann na cena do duche de "Psyco"? São agradáveis? Mas...serão ruído?

Como poderíamos classificar peças compostas com martelos, sons de comboio e outras fontes sonoras, como o trabalho de Francis Dhomont ou PierreSchaeffer? Também serão ruído?

Alguns fanáticos dizem que Mozart é música, assim como Metallica é só barulho. Outros, afirmam o contrário. Jazz foi classificado, por muito tempo, como ruído, pela maioria dos brancos nos Estados Unidos. Na realidade, a palavra Jazz significa desordem, confusão.

Parece que, assim, não vamos a lado nenhum.

Uma coisa é certa: nunca houve uma cultura humana, que não tivesse música. A maioria dos artefactos do Neolítico são utensílios de caça, de cozinha e de música. Em todo o Mundo, desde que o Homem apareceu na Terra, há música.

James Ferguson, antropólogo americano, visitou uma tribo no Lesoto, um pequeno país inserido na África do Sul, onde foi convidado a cantar. Respondeu: “Eu não sei cantar”.
Isto causou uma enorme surpresa entre os aldeãos! Para eles, isso era uma deficiência, tal como “Eu não sei falar” ou “Eu não sei andar”. ¹

Edgar Varèse, o famoso compositor francês, afirmou: “Música é som organizado”.

Acredito que, com a palavra organizado, Varèse quer dizer organizado pelo Homem com um objectivo.

Neste conceito amplo, enquadram-se todos os tipos de Música, para além da nossa cultura ou gosto pessoal.

A Música revela o melhor lado da Humanidade.

Desejo-vos um excelente 2014. Vemo-nos para o ano.

¹ in “This is Your Brain on Music” Daniel J.Levitin / Pag. 14